Esta es mi opinión más o menos fundamentada de algunas pelis que me han gustado mucho, poco, o que me han dejado que ni fu ni fa.
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1984 (Michael Radford, 1984)

El Gran Hermano te Observa.

Advertencia: cualquier parecido con el programa de televisión es pura coincidencia, pero por si alguno aún no lo sabe, ya que tampoco se le ha dado excesiva publicidad, el nombre del concurso proviene de este gran libro, del que después se hizo la película.

Han utilizado el nombre del personaje muy acertadamente, pero si el "Gran Hermano" le hiciera a los concursantes de este programa todas las barbaridades que le hacían al protagonista de la película, otro gallo les cantaría.

La época en la que vivió George Orwell no era propicia para hacer críticas a los sistemas de gobierno imperantes, por lo que el escribía diversas fábulas que eran una feroz crítica de las mismas, encubiertas en otras historias que impedían actuar contra él.

Desde luego la película deja mucho que desear respecto a la novela y la verdad es que acaba resultando bastante aburrida. Mi propuesta es leerse antes el libro, que verdaderamente merece la pena y después, un día que no se tenga nada que hacer ver la película, pero yo aprovecharía ese tiempo para hacer cualquier otra cosa.

Hay otra versión anterior rodada en 1956 dirigida por Michael Anderson.
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2001, UNA ODISEA DEL ESPACIO (Stanley Kubrick, 1968)

La ultima vez que la vi comente con un amigo: "Esta película te da ganas de dirigir cine, no de ver mas cine". Después comprobé que algo parecido pensaban algunos directores, como Amenabar, que además llevo esta idea a la práctica.

Y es que puedo comprender que la lentitud (a veces exasperante) de algunas escenas pueden sacar de quicio a mas de uno, pero están hechas con una pulcritud y una maestría inigualables. Hay que fijarse en la fecha: 1968. El hombre no había pisado aun la luna, ni siquiera, pero Kubrick se adelanto y no solo eso sino que puso un punto y aparte dentro del genero de la ciencia-ficción.

En cuanto al argumento, un tanto enrevesado, esta lleno de simbologías y diferentes interpretaciones, como quería el propio autor, para hacer pensar al espectador y no dárselo todo hecho. La escribió al alimón con Arthur C. Clarke mientras este escribía a la vez la novela, basados ambos en un relato corto del escritor.

La complicada trama y las pocas explicaciones fue motivo de disputa entre ambos, pero al final del genial director se salió con la suya y Clarke tuvo que tragar, como todos los que han trabajado con él, no sin dejar de manifiesto su indignación. El resultado fue una película soberbia, con escenas para recordar, como el mono que tira el hueso y esta imagen enlaza con la una nave flotando en el espacio miles de años después, pero reducido en el cine en unos pocos fotogramas.

En 1968 yo no había nacido, ni Microsoft, pero ¿seria descabellado pensar en un superordenador dirigiendo una nave? Ni siquiera hoy en día los ordenadores han llegado a ser tan inteligentes como el HAL9000 que nos pone los pelos de punta al verlo actuar y hablar con esa serenidad mientras la cámara enfoca su "ojo" que todo lo ve, inerte pero tan vivo a la vez. Se parece al "Gran Hermano" de la novela de George Orwell.

Por último he de confesarme ferviente e incondicional admirador de Stanley Kubrick, que es según mi opinión el mas grande de los directores que ha habido y cuya filmografía, de solo un puñado de películas, incluye unas cuantas obras maestras.

Guión de la película

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ABRE LOS OJOS (Alejandro Amenábar, 1997)

Segundo film de Alejandro Amenábar, de temática y guión un poco más complicados que su ópera prima, Tesis.

Un chico de familia acomodada, y éxito con el sexo femenino, César, (Eduardo Noriega) se cruza con dos mujeres que cambiarán su vida. Una Sofía (Penélope Cruz), dulce y sensible, de la que se enamora al instante. La otra, Nuria, (Najwa Nimri) está obsesionada con él y verlo con Sofía le pone celosa, hasta el punto de perder la cabeza y provocar un accidente. A partir de ahí la vida de César no volverá a ser la misma. Su vida da un vuelco y él acaba por llegar a dudar de todo.

Valiente incursión de un director con poca experiencia en el mundo de la ciencia ficción. Amenabar ya dejó muestras de su valía como director en esta historia enrevesada, difícil de contar y que siembra de dudas al espectador. El guión lo firman al alimón el propio director y su buen amigo Mateo Gil, que después debutaría en la dirección con Nadie conoce a nadie. En la producción otro buen amigo de Amenábar, José Luis Cuerda, descubridor de este joven talento y que ya produjo los exitosos cortos con los que inició su carrera.

"Abre los ojos" aborda uno de los temas universalmente tratados: el de la persona que de la noche a la mañana pasa de rey a bagabundo, de ser feliz a perder todo lo que le proporcionaba esa felicidad. Pero trata el tema desde una visión futurista, dándole a la película la tensión necesaria para mantenernos atentos a la pantalla hasta que al final se resuelve el misterio.

Los actores hacen una buena interpretación: Noriega haciendo de chico pijillo, ese papel que hace siempre aunque con distintos matices; Fele Martínez hace de amigo del protagonista, un chaval bueno aunque un poco pardillo; Penélope Cruz borda también el personaje al que cada vez nos tiene más acostumbrados, valiéndose más del físico (memorable topless) que de la interpretación; sin embargo posiblemente sea Najwa Nimri la que más me haya gustado, pues esa chica rara y obsesionada que interpreta es un papel difícil y ella consigue que llegues a odiarla y desear que desaparezca de una vez de la vida del protagonista y deje de molestarlo, lo que denota una buena interpretación.

Quizás la duración sea algo excesiva, ya que se hace algo pesada al final, sobre todo porque intentan explicar con pelos y señales la situación del protagonista.

En general es una película recomendable y que deja buen sabor de boca e incluso da para ponerse a pensar un poco al salir del cine, lo cuál, siempre es bueno.
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AMANECE QUE NO ES POCO

 

Esta es una de esas rarezas que aparecen de vez en cuando y suelen calificarse como films de culto. Esto significa que son películas admiradas por una minoría y despreciadas por el resto, pero que normalmente no dejan a nadie indiferente, para bien o para mal. Son sobre todo distintas al resto y apartadas de los clichés y convencionalismos. En fin, que las denominan así porque no pueden meterla dentro las típicas categorías, por eso este calificativo incluye cantidad de películas muy diferentes entre si.

Centrémonos en la que nos ocupa "Amanece que no es poco", una película española con un reparto de lo más castizo del cine español interpretando desternillantes personajes. Por ejemplo: 
- Antonio Resines es Teodoro, un profesor de la universidad de Oklahoma que está de año sabático (ya saben lo que es eso, trabajar 6 años y descansar 1) viajando con su padre Jimmy (Luis Ciges) en una moto con sidecar que éste le ha regalado. No puede ir su madre porque su padre la ha matado, porque era muy mala, aunque para disfrutar de un año sabático, mejor una moto con sidecar que una madre.
- Quique San Francisco es Cascales un personaje conflictivo al que no le gusta su papel e intenta cambiarlo con cualquier otro actor del reparto, con resultados no muy buenos, aunque...
- José Sazatornil "Saza" es Gutiérrez, el guardia civil que se encarga junto a sus dos ayudantes de que los borrachos se pongan a tono desde primera hora de la mañana, de que los sudamericanos vayan en bici los días que les toca y el resto huelan bien y otras tareas tan necesarias.
- Miguel Rellán es uno de esos borrachos, y de las cogorzas que se coge tiene una impotencia de mil pares de cojones, por lo que no puede atender a su mujer como es debido, aunque ella no está desatendida porque de los coitos se encarga el negro del pueblo.
- Chus Lampreave es la madre del negro, una larga historia.
- Aurora Bautista es la "Padington" una viuda que se casó de nuevo con uno de los sudamericanos refugiados de la política que se dedica a plagiar "Luz de Agosto" de Faulkner, William Faulkner, un autor por el que en el pueblo se tiene auténtica devoción.
- Pastora Vega es una simple campesina que tiene la mala suerte de que le nace un hombre en el bancal, que como todo el mundo sabe es una desgracia, pues no veas lo que consume un hombre. En vez de trasplantarlo antes de que empiece a hablar (como debe hacerse, que luego dan más guerra), decide dejarlo crecer, porque es tan guapo...
- Gabino Diego es el jefe de un grupo de estudiantes de la universidad de Eaton que han venido a aprender español y se dedican a escuchar conversaciones en el bar, pero el alcalde acaba por tocarles los cojones y llegan a emplear la técnica del carnero para evitar hacer flash back, como el resto del pueblo y así quedarse sin irse.
- Morencos es un agricultor con aspiraciones intelectuales (que por cierto, desde que es intelectual ni un mal catarro) y se dedica a explicar a sus colegas cosas como la dialéctica de Platón, sabe leer bien los libros (que si los lees mal pueden joderse), o hacer que la mujer del médico tenga unos gemelos de él a los cinco minutos de haber yacido, mientras él se levanta a hacer pis.
Y así continúa una interminable serie de personajes con historias magníficas y absurdas, que se van entrelazando para dar vida a un pueblo peculiar y único.

El guión y la dirección corren a cargo de José Luis Cuerda, artífice de todo este mundo, un hombre que sabe hacer cosas serias pero que cuando da rienda suelta a su imaginación es capaz de hacer cosas como esta. Hay otras dos películas que forman una especie de trilogía con "Amanece que no es poco" y son "Total", la historia de otro pueblo parecido a este al que le sobreviene el apocalípsis y "Así en el cielo como en la tierra", que se desarrolla en el cielo que está encima de España. Ambas tienen este mismo estilo absurdo e inteligente pero ninguna de ellas llega a su altura.

Una frase que se usó en la promoción de la película puede servir para animar a verla:

NO SE RÍA COMO UN IMBÉCIL. Aproveche la oportunidad de ver AMANECE, QUE NO ES POCO Y ríase con toda su inteligencia.

De todas formas si pese a todo la ves y no te gusta no te creas que eres un bicho raro, es que tu sentido del humor tiene un grado de acidez menor al recomendado, pero de eso aún no se ha muerto nadie.

Fragmentos de la película 


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AMERICAN HISTORY X (Tony Kaye, 1999)

Trata sobre lo insulso de la ideología nazi a través de un joven que pertenece a estos grupos radicales. La película tiene dos fases. En la primera el protagonista, magníficamente interpretado por Edward Norton (a quien Begnini le dejó compuesto y sin oscar), es un nazi sin escrúpulos con un odio hacia las razas que incluso justifica en entregados discursos. Un incidente de tipo racista da con sus huesos en la cárcel. En la segunda parte sale de la cárcel reconvertido y dándose cuenta de su absurda postura anterior, pero ahora es su hermano, que lo tenía como ídolo el que parece estar siguiendo todos los erráticos pasos que él diera en su día.

Que Edward Norton es un estupendo actor es algo que podemos comprobar en muchas otras películas, y aún tiene mucho por ofrecernos, pero aquí y posiblemente en El Club de la Lucha nos regala una interpretación que basada en un personaje violento nos desvela un contenido de antiviolencia. Es impresionante como al principio logra que lleguemos a despreciarlo para después hacer de chico bueno y reformado y estar en ambos casos creíble. Solo un gran actor puede conseguirlo. Algo parecido hacía en Las dos caras de la verdad, igualmente recomendable.

Es una película para reflexionar, con mensaje bien a la vista, nada de medias tintas.
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ATRACO PERFECTO (Stanley Kubrick, 1956)

En el mundo del cine decir Kubrick es decir mucho.

Tristemente tenemos ya que hablar de él en pasado, pero sus obras perdurarán, por fortuna, aún por muchos años, ya que ha sido el creador de algunas de las mejores obras de la centenaria historia del cine.

El título de esta película, Atraco Perfecto, refleja una de las principales características que definen su corta pero brillante filmografía: la perfección.

Nos encontramos ante una de las primeras películas que rodó Stanley Kubrick, pero ya posee las características que después serian comunes al resto de su obra. Ya en el título vemos uno de estos rasgos: la perfección, porque este autor controlaba todo técnicamente y desde los encuadres o la luz a la proyección final de la película pasaba por sus manos y necesitaba su aprobación.

Atraco perfecto también está basada en una novela, en este caso de Lionel White.

La historia que nos cuenta en esta ocasión es la de un grupo de hombres fracasados que creen estar planeando el golpe de su vida. Cada cual tiene su carácter y sus motivaciones, lo que crea un mosaico muy variopinto que da más lucidez a la trama. El golpe en cuestión es el atraco a la oficina de apuestas de un hipódromo. Cada cual tiene su cometido, pero como suele pasar, las cosas no salen tal y como ellos planean.

Rodada con extrema pulcritud, con el personal estilo de Stanley Kubrick, esta película hará las delicias de los amantes de ese cine negro clásico del que ya no se hace. Los personajes están trazados con la misma mano magistral del director y los actores que los encarnan están estupendos. Entre ellos cabe destacar al protagonista, un hombre frío recién salido de la cárcel y que desea dar el golpe que lo retire para no volver allí. Está encarnado por Sterling Hayden, que posteriormente repetiría con el director en ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú.

El tratamiento del tiempo, con la historia contada desde los puntos de vista de los diferentes personajes que están muy cerca pero haciendo diferentes cosas, está también muy logrado y fue algo excepcional para la época, recordemos 1955.
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ATRAPADO EN EL TIEMPO (Harold Ramis, 1993)

Estoy seguro de que haber titulado esta comedia "El día de la marmota" hubiese sido mucho mas acertado, pero el tema de la traducción de títulos no es lo que ahora nos ocupa, aunque también haría y hace correr ríos de tinta.

Bill Murray es gracioso hasta encerrado en una caja de caudales. La belleza de Andy McDowell, tan característica, no ofrece discusión. Si a estos 2 actores les dirige un ex-Monthy Phyton y los colocamos en una situación lo mas disparatada posible, la agitamos un poco y nos sale una comedia para chuparse los dedos y secarse las lagrimas.

No le hace falta tirar de chistes fáciles, explicar el porque de lo que pasa o complicar la trama hasta hacerla incomprensible. Simplemente coloca a un hombre en la situación de despertarse todos los días en "El DIA de la marmota", siempre el mismo DIA y en el mismo lugar, un pueblo perdido y aislado por la nieve. El resto va viniendo solo. El protagonista va pasando por diferentes fases y estados de animo. Únicas reglas: lo recuerda todo pero no puede guardarse nada. Y los días (o el DIA) van pasando irremediablemente.

Mención especial para la musiquilla con la que se levanta todas las mañanas de Sony & Cher. Seguro que todos pensamos en un DIA que nos gustaría que se repitiera una y otra vez, ese DIA maravilloso que recordaremos siempre, pero imaginad ahora que esto dura para siempre: se acabaría convirtiendo en algo pesado y aburrido, en fin, que dejaría de ser un DIA perfecto. Pues al protagonista le pasa esto pero con el peor DIA de su vida, aunque al final no lo será tanto.

Mi moraleja: Virgencita, que me quede como estoy.

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CASABLANCA (Michael Curtiz, 1942)

Todo lo que pueda decirse de Casablanca es poco, además la mayoría estará ya dicho, pues se trata de una de las mejores películas de la ya centenaria historia del cine.

Posiblemente no habrá una lista de las mejores películas de la historia en la que no esté entre las tres primeras. Para corroborarlo ese año se llevó tres oscars: (aunque posiblemente eso no demuestre nada) mejor película, dirección y guión, aparte de haber estado nominada en otras cinco categorías.

¿Por donde empezar para hablar de esta película? Empezaremos por la historia:
Europa ha entrado en guerra. Mucha gente intenta huir hacia América. Para ello tienen que llegar a Casablanca, en el Marruecos francés y desde allí conseguir un salvoconducto para Lisboa a base de influencias, dinero o suerte.
En Casablanca el lugar más concurrido es el "Rick's CAfe Americain". Todo el mundo va a Rick's. El propio Rick es un americano que sólo lucha por si mismo, pero la llagada de un líder de la resistencia con su esposa le hará recordar su pasado en su París, un amor perdido y tendrá que plantearse ayudar a una causa justa o seguir pensado en sí mismo.

Casablanca tiene todos los ingredientes que debe tener una obra maestra: unas interpretaciones magistrales de unos personajes muy bien creados, una historia de amor latente que no acaba de definirse, un guión redondo, con diálogos que han quedado para la posteridad y una historia realista y a la vez atrayente.

Entre los muchos mitos que ha alimentado esta película está Humphrey Bogart, interpretando a Rick, un tipo duro que pese a verse una y otra vez condenado a la derrota sigue enfrentándose al destino.
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LA CHAQUETA METÁLICA (Stanley Kubrick, 1987)

Señor, una gran película, señor.

Reclutas, sois todos unos inútiles. No tenéis ni idea de lo que es una buena película.

¿Queréis que os recomiende una buena película? No os lo merecéis, porque sois todos unos vagos, pero os la voy a recomendar, para que luego no vayáis a vuestras apestosas casas diciendo cosas malas de mi.

La Chaqueta Metálica es mi recomendación. Con esa película podréis ver como se convierte en hombres a piltrafillas como vosotros. Muchachos que no harían daño ni a una mosca son convertidos en maquinas de matar, me oís, atajo de cobardes.

¿Quién quiere demostrarme lo hombre que es? Nadie, me lo suponía. Después de ver esta película os tienen que entrar ganas de matar, que para eso es a lo que se viene al ejercito.

¿A que se viene al ejercito?
- A matar, señor.

No hay sitio para cobardes ni para nenazas. Todo el que tiene un momento de debilidad, ¡zas! Cae. Y bien merecido lo tiene.

La primera parte de la película es la instrucción que reciben los soldados, un ejemplo de disciplina que todas las academias militares deberían seguir. Después nos muestran el horror de la guerra. Reclutas, os tenéis que acostumbrar a vivir en el infierno. Comodidades: ninguna. Miedo: ninguno. ¡Somos soldados! ¡No tememos a nada!

Al final deberéis sacar en claro que ni los amarillos, ni la jungla son vuestro peor enemigo. A vosotros mismos es a los primeros a los que debéis vencer.

Reclutas, rompan filas.
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EL CLUB DE LA LUCHA (David Fincher, 1999)

Hay quien después de ver esta película salga del cine pensando que ha asistido a un espectáculo de violencia gratuita y sin fundamento, pero en realidad aquí se habla de todo lo contrario.

Edward Norton es un tipo tranquilo que un día se encuentra con un representante de jabones, Brad Pitt, en un avión al volver su ciudad. Cuando descubre que su casa se ha quemado acepta tomar una copa y quedarse a vivir con su nuevos amigo. Medio en broma empiezan esa misma noche a darse una paliza en un aparcamiento, algo que llama tremendamente la atención de los paisanos que se emborrachan en el local sin otra cosa mejor que hacer. Día tras día las peleas van atrayendo a más y más gente por lo que acaban formando un club cuya principal regla es no hablar del club. Todo va tomando proporciones cada vez más incontrolables hasta que al final el propio Edward Norton no es capaz de controlarlo, ni de controlar su propia vida. El final es sorprendente.

Los dos actores principales están redondos en unos personajes sucios y violentos que son una alegoría de una sociedad a la que sólo hay que presentarle las cosas con el envoltorio adecuado para que sea lo que sea se lancen a su consumo masivo. La violencia en esta cinta es la excusa perfecta para ironizar sobre la tontería que impera en este mundo, pero bien podrían haber formado el club de las palomitas de maíz, con lo que quiero decir que es de necios quedarse solamente en la fachada y no profundizar en el verdadero mensaje que la película. Lo importante es el fondo, no las formas.

El director es David Fincher, interesante autor que ha dirigido también otras obras muy interesantes y recomendables, como The Game o Seven. Entre los secundarios la suburbial y morbosa Helena Bonham Carter, el "recibe palizas" actor en ciernes y gran promesa Jared Leto y el gran cantante, cada vez más grande pero de volumen, Meat Loaf son los que más destacan. 


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CUATRO BODAS Y 1 FUNERAL (Mike Newell, 1994)

El género de lo se ha denominado "Comedia Romántica" tiene en esta película su máximo exponente. No se le puede negar que como comedia roza los limites de la genialidad y la dosis romántica no es nada despreciable. Hugh Grant hace reír solo con verle la cara: es la parte que representa la "Comedia". Entonces, obviamente, la parte "romántica" la debe encarnar Andy McDowell.

Pero esta película no se reduce solo a estos 2 actores. El resto del reparto, los secundarios, son excepcionales y aunque quizás no se les podría clasificar de roba-escenas, pues secundan maravillosamente a los protagonistas, si que cumplen su labor de secundarios a la perfección: hacer mas grande la película con una participación menor.

Hay varios gags muy buenos (me vienen a la cabeza el del protagonista traduciendo a su hermano sordomudo o el de "ya no es mi novia"), pero es el conjunto, el hilo conductor no solo de las bodas sino de todos los tipos distintos de relaciones que se establecen entre los personajes lo que da calidad a esta película, porque su principal tema es ese: las relaciones humanas en toda su amplitud.

Destacaría en ese sentido la relación homosexual entre 2 de los personajes, que esta reflejada con suma naturalidad, sin poner al típico amigo gay del protagonista, tan de moda últimamente, escandaloso, hipersensible y tremendamente amanerado. Todos los homosexuales no son así y en esta película se ve una pareja tan normal como una heterosexual, porque también las hay y no pocas.
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THE DOORS (Oliver Stone, 1991)

Lo primero que quiero decir es que no voy a analizar la película como fan de Jim Morrison. Me gustan las canciones de los Doors, pero no soy ningún incondicional de ellos. Quizás los que lo sean hayan visto en esta biografía cosas que no creen oportunas. Lo ignoro, pero lo respeto.

Viéndola como espectador lo que mas destaca es su ritmo. Las canciones del grupo suenan a lo largo de la cinta y le dan una tremenda vitalidad a la acción. La película también sigue la máxima de "vive deprisa, muere joven y dejaras un bonito cadáver".

La caracterización de Val Kilmer como Jim Morrison en espectacular, inigualable. Se cuenta que este envió una grabación al director imitando al líder de The Doors y el parecido era tal que Oliver Stone no dudo en darle el papel.

Dejando a un lado la veracidad de todo lo que se cuenta lo más destacable como digo es la música, la actuación de Kilmer y la dirección de Stone. Cierto es que al final lo que te cuentan de la vida de este mito del rock no son más que meros episodios anecdóticos de su vida, con lo que acabas con lagunas mentales respecto a su vida. Pero la película es muy entretenida.
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FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994)

Excelente película pese a pecar un poco (bastante) de americanismo. Es una especie de Muertos de Risa pero hecho en USA, por eso, si viéndolo desde este lado del charco me ha parecido buena, se entiende que ellos la inundaran de premios (trece nominaciones que se convirtieron en seis oscars).

La película hace un recorrido por la historia de Estados Unidos a través de un chico de inteligencia limitada pero que se las arregla para estar metido en todos los asuntos importantes que suceden en el país, de la guerra de Vietnam al escándalo de Richard Nixon. Forrest Gump no es sólo protagonista absoluto de la película sino de muchos de los actos más importantes del s. XX y se codea con multitud de personajes importantes: Elvis, varios presidentes de los EE.UU.

Tom Hanks, uno de los actores mejor considerados de los 90, ha ido variando el rumbo de su carrera, pasando de hacer comedias tontorronas pero con éxito,(como Big) a meterse en personajes complejos como puede ser éste o el de Philadelphia. Está genial sin llegar a caer en la grosería que suelen acarrear muchos de estos personajes y es totalmente creíble, tierno en unos casos y gracioso en otros, lo que consigue que la película tenga cambios de ritmo que le vienen muy bien para hacerse más llevadera y que hacen que pese a durar casi dos horas y media no sea pesada en ningún momento.

Aparte del protagonista, el resto de secundarios lo hacen realmente bien, destacando Gary Sinise (Teniente Dan Taylor) en un papel lleno de fuerza de los que se recuerdan durante tiempo, Robin Wrigth que hace de Jenny, la mejor amiga de Forrest Gump, una chica dulce (no tanto como cuando era La Princesa Prometida) pero a la vez fuerte que comprende a Forrest e intenta que su vida sea mejor. Sally Field es la madre de Forrest, quizás el personaje al que más se le nota el paso del tiempo, muy logrado. Por último nombrar al pequeño Haley Joel Osment, un niño desconocido por entonces pero que después pasaría mucho miedo y nos lo haría pasar en El Sexto Sentido.

Son destacables los efectos especiales que consiguen pasar desapercibidos, pero que tienen gran impacto visual, como las piernas mutiladas del Gary Sinise (al que hemos visto corriendo en otras muchas películas), las multitudes que se agolpan, etc. También la banda sonora que al igual que la propia película hace un exhaustivo repaso de los éxitos que se han ido sucediendo a lo largo de la segunda mitad del siglo XX.

Todo esto lo ha dirigido Robert Zemeckis, un director en cuya filmografía se puede encontrar de todo un poco, pero que siempre ha sido experto en crear ilusiones pues suyas son por ejemplo Quien Engañó a Roger Rabbit o los tres Regreso al Futuro (de los que además fue guionista).

El guión está basado en una novela de Winstom Groom, muy recomendable, de la que después del éxito de la película se escribió una segunda parte.
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INSOMNIO (Christopher Nolan, 2002)

Una película en cuyos títulos de crédito aparece Al Pacino ya tiene, al menos para mi, un punto a favor. Si además está Robin Williams, normalmente se le puede sumar otro punto. Al estar los dos en la misma película se le puede añadir otro. La buena fotografía y los paisajes de Alaska le suman uno más. Así que sólo le faltaba una actriz hoven y eficaz como Hilary Swank para llegar al aprobado. Tres ganadores de oscars en los noventa juntos en una misma película.

A partir de aquí el resto queda a gusto del espectador. La historia es muy predecible, lenta y facilona, pero se hace amena.

Al Pacino interpreta a un policía cuyo compañero investigado por asuntos internos está a punto de tirar la toalla, lo que puede salpicarle a él. Mientras están en Alaska intentando descubrir a un asesino el problema se complica al matar ¿accidentalmente? Pacino a ese compañero tan molesto para él. La acción trascurre durante varios días en el norte de Alaska, donde luce el sol de media noche que no deja dormir al protagonista. Según transcurren los días lo vemos como cada vez va estando más y más cansado, algo que este soberbio actor transmite tan bien que casi te da sueño.

Robin Williams no hace una de sus mejores interpretaciones, pero está correcto. Pese a que últimamente le está dando por hacer de malo y de psicópata no creo que este sea un papel que le pegue. Me gusta más cuando hace lo de siempre: papeles de payaso, como Good Morning, Vietnam, Señora Doubtfire o personajes serios (en los que se suele dejar barba) como Despertares o El Club de los Poetas Muertos. Luego está Hilary Swank, a la que todavía no hemos visto en muchas películas pero que da mucho juego con ese rostro tan peculiar y su naturalidad innata. Personalmente Maura Tierney que aquí hace un pequeño papel de recepcionista me parece una gran actriz, muy natural también y muy resultona, con la limitación que sólo la veo haciendo de buena.

Lo cierto es que la película acaba por ser algo insulsa y no aporta nada novedoso, pero es "resultona", como la Tierney, sin más.
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LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS (José Luis Cuerda, 1999)

Desde hace algún tiempo se está viviendo en el cine a nivel mundial algo que podríamos denominar el baby boom: las carteleras se llenan de películas protagonizadas por niños aunque no sean para público infantil. Solamente hay que repasar las nominaciones a los Oscar´s de las últimas ediciones para comprobarlo. Este es otro de esos casos.

La lengua de las mariposas está ambientada en los días previos al estallido de la guerra civil española, unos días en que las ideas políticas imperaban a la hora de juzgar a las personas, y este es el tema que guía la historia. En cualquier caso la acción podría haberse situado en otra época o conflicto, pues no pretende dar ningún mensaje político.

El verdadero mensaje de la película es la maleabilidad de la mente infantil. Y precisamente el gran acierto es la elección del niño protagonista, Manuel Lozano, que comparte la pantalla con Fernando Fernán Gómez, una de las vacas sagradas del cine en este país, pero que en ningún momento eclipsa al pequeño protagonista sino más bien al contrario, es el crío con esa mirada profunda y escrutadora el que lleva el peso de la historia, una historia sencilla y sensible que relata el descubrimiento del mundo que le rodea por parte de un niño, guiado por sus amigos, por su hermano y por sus padres. Pero ante esta mente por esculpir aparece otra mente, grandiosa y fascinante, que es la del profesor y que le llevará a apreciar y saborear los mínimos detalles de lo que le rodea, que sirven para comprender otras cosas más complejas. La relación entre alumno y profesor finalmente se verá truncada por la situación política, y en un final quizás demasiado precipitado nos demuestra la crudeza de la vida y el verdadero espíritu infantil, tan influenciable.

Ambos actores están magníficamente dirigidos por José Luis Cuerda, un director que últimamente ha producido los dos éxitos de Alejandro Amenábar, el joven director que en esta película realiza la banda sonora. También ha escogido como ayudante de dirección a Mateo Gil, colaborador de Amenábar tanto en sus dos películas como en varios cortos y al que este rodaje le ha servido como calentamiento para debutar en la dirección.

La historia está basada en un libro de relatos de Manuel Rivas adaptados por el riojano Rafael Azcona, uno de los guionistas más prolíficos y premiados del cine español.
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MAL GUSTO (Peter Jackson, 1988)

Mucho ha llovido desde que el director de "El Señor de los Anillos" hizo este film. Y cuando digo que lo hizo, es porque figura en los créditos como director, productor, guionista, fotografía, montaje, etc, además de ser el protagonista.

Si lo valoramos en su justa medida, dentro del gore, esta película se puede llevar las mejores criticas. Ahora bien, desde un punto de vista externo a este tipo de cine hay que decir que hace honor a su titulo.

Contiene escenas de lo más desagradable y no es apta para estómagos sensibles. En cualquier caso yo la recomendaría fervientemente para adeptos al cine gore, que supongo que a estas alturas ya la conocerán, y punto. A los que no les gusten este tipo de películas, que ni siquiera sostengan la cinta en las manos cuando la vean en el video club.

Desde luego el director ha tenido grandes éxitos desde "Mal Gusto", pero ninguno tan rotundo como "El Señor de los Anillos". Después de haber visto ambas películas te puedes hacer una idea de lo que se habrá tenido que contener a la hora de realizar esta otra.

No hay problema, ha prometido que al menos parte de lo que no pudo estrenar en cines lo podremos ver en la versión en DVD de la trilogía, aunque eso, es otra historia...
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MINORITY REPORT (Steven Spielberg, 2002)

Una película cuyos principales nombres, esos que aparecen en los carteles con letras más grandes que el título, son Steven Spielberg y Tom Cruise, gana muchos puntos antes de estrenarse y levanta grandes expectativas, ya que son las dos personas que más dinero han generado en el último cuarto del siglo recientemente acabado. Pero a "Minority Report" le falta bastante para ser una gran película.

En primer lugar el argumento: está basada en una historia corta del maestro de la ciencia ficción Philip K. Dick que debía constar de unas treinta páginas, y que como idea no estaría mal, pero alargándola como lo han hecho y pretendiendo crear con ella un argumento de película pierde mucho, deja lagunas por medio y resulta poco creíble. Además se intenta explicar demasiado las cosas, cuando quizás no sería necesario.

Otro aspecto importante es la espectacular caída de ritmo que se produce a mitad de la película, justo cuando se descubre el nudo de la acción, después de empezar de forma trepidante, incluso con algún sobresalto que otro. Sin olvidar que dura casi dos horas y media, que se hacen bastante largas.

Aparte de los efectos especiales, que no creo que pasen a la historia, hay que fijarse en los "efectos comerciales" que tiene la película, tales como la publicidad subliminal omnipresente y que resulta bastante recargante, o esos argumentos sentimentaloides típicos del hombre que ha perdido a su hijo y está desesperado, la mujer que sigue amando al marido pero se ve obligada a separarse de él, el jefe que quiere a su subordinado como a un hijo, etc. y que permiten rellenar la historia de forma eficaz pero pobre.

Al final hay una especie de epílogo, que para mi gusto sobra, en el que te explican lo que ha sido de cada uno de los personajes, como en esas películas hechas para televisión que ponen por las tardes y siempre empiezan con "Basado en un hecho real".

Por cierto, han hecho bien en dejar el título original porque cuando en la película hablan de su "informe en minoría" que fatal.

Después de ver las dos últimas películas de Steven Spielberg uno se pregunta si este no habrás sido abducido por el espíritu de Stanley Kubrick.

En cualquier caso esta abducción no ha sido completa, ya que Spielberg toma mucho de Kubrick, a la vez que aplica sus propias ideas que tantos buenos frutos le han dado, como son la acción y los espectaculares efectos especiales, algo completamente en contra de las ideas de Kubrick, a quien la acción trepidante no le iba demasiado y cuyos efectos especiales eran más sutiles y efectivos que espectaculares.

Otra de las diferencias entre ambos es que pese a los dos contar con argumentos no demasiado claros o en cualquier caso algo confusos, a Spielberg le da por intentar explicarlo todo, algo que llega a confundir y a cansar, mientras que a Kubrick le gustaba más dejar cosas a la libre interpretación del espectador, para que se comiera un poco la cabeza.

Mi opinión es que al final a Spielberg se le acabará pasando esta fiebre futurista existencialista, como se le paso la reivindicativa (recordar "La lista de Schidler " o "Libertad"), como se le paso la extraterrestre ("Encuentros en la Tercera Fase", "E.T.") o la de aventuras ("Indiana Jones", "Hook", "Parque Jurásico"). La diferencia es que muchas de aquellas películas eran realmente buenas, cosa que al menos puede ser discutido en estas últimas.

Lo que no puede discutirse es que este hombre es un genio y en el momento en que la inspiración vuelva a iluminarle nos puede dar una nueva obra maestra, como las que nos dio su amigo y maestro Kubrick. Que así sea.
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MUERTOS DE RISA (Alex de la Iglesia, 1999)

Esta es la historia de dos cómicos, que empezando desde abajo llegan hasta lo más alto y nos enseña todos los efectos que la fama puede tener en el comportamiento humano. Los dos personajes son totalmente distintos pero complementarios y gracias a esto, un porcentaje de suerte (como todo en esta vida) y un representante adecuado llegan a ser conocidos en toda España.

La película esta salteada de gags que dan el contrapunto cómico a escenas que podrían ser tremendamente trágicas. Un aviso, no bajar la guardia hasta que no aparezcan los créditos, porque el final es de antología.

Hay dos razones que pueden hacer que un espectador no aprecie el verdadero sentido de esta película:

1.- No se puede verla con la idea preconcebida de que es un comedia, que es lo que puede parecen en un principio. Hay quien la ha definido como una comedia negra, pero tiene más de negra que de comedia. Lo que cuenta es la historia de dos humoristas, pero dando mayor importancia a la historia y no al humor.

2.- Si eres demasiado joven quizás Uri Geller, José María Iñigo y compañía no te causen la misma nostalgia que a la gente un poco mayor.

Dejando aparte estas dos cosas la película tiene también un punto débil en el Gran Wyoming, que aunque es un gran comunicador como actor deja un poco que desear. Santiago Segura y Alex Angulo están en su línea y el gran abanico de secundarios, con pequeñas apariciones le dan mucho ritmo a la película, pues sabes que en cualquier momento va a aparecer un rostro conocido.

El ambiente, a veces claustrofóbico y otras disparatado y macabro es la inconfundible firma de Alex de la Iglesia y da fuerza visual y argumental a una película concebida para hacer un repaso a la historia de España de las últimas décadas, algo así como un Forrest Gump a la española, pero con el hilo conductor de la televisión, verdadero punto de unión de todos los españoles en tiempos pasados.
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NADIE CONOCE A NADIE (Mateo Gil, 1999)

Sevilla. Semana Santa del año 2000. Una serie de asesinatos no aclarados se están produciendo en la ciudad. Al mismo tiempo un joven algo atormentado y sin un rumbo fijo empieza a recibir amenazas...

Así comienza esta película, aunque, por supuesto, no esperen que las cosas sean tan fáciles de solucionar como en una novela de Agatha Christie, en la que una mancha de barro en un zapato nos descubría al asesino. Aquí los zapatos manchados aparecerían en el armario de alguien a quien no le valen, el barro no será el de la escena del crimen, etc,etc. ¿Les suena a algo estos enrevesados giros en el guión?

Efectivamente, habrán adivinado. Al ver esta película no se puede evitar que se venga a la mente un nombre ya imprescindible en el cine español: Alejandro Amenabar y no sólo porque lo veamos en una de las escenas de la película sentado en una cafetería tomándose algo con Mateo Gil, el director y su principal colaborador (ayudante de dirección y coguionista) en Tesis y Abre los Ojos.

Nadie Conoce a Nadie tiene el mismo esquema de continuas confusiones de Abre los Ojos, la enrevesada trama de Tesis y el mismo protagonista que ambas, Eduardo Noriega, lo que hace inevitable no poder quitarse de la cabeza las dos anteriores mientras se ve esta. Lo que pasa es que aquí da la impresión de no ser tan creíble. Quizás Mateo Gil no sea tan buen director como Amenabar, o le falte madurez artística, pero el caso es que sales del cine con ese regusto de haber visto un sucedáneo, algo que ya te han contado antes de una forma mejor.

En cuanto a los actores hay que destacar a Jordi Mollá que sigue acumulando distintos registros en su filmografía: este Nadie Conoce a Nadie, Perdona Bonita pero Lucas me Quería a mi, Historias de Kronen, Jamón Jamón, La Buena Vida, La Celestina... ¿verdaderamente estamos hablando del mismo actor en todas ellas? Pues sí.

Eduardo Noriega, sin tener ese abanico de personajes tan distintos también es uno de los actores jóvenes que más trabajan últimamente. Entre las actrices están la televisiva Paz Vega y otra de las caras que también van sonándonos poco a poco cada vez más: Natalia Verbeke, que lo hace muy bien lo poco que le dejan y que posee una de esas miradas que dicen mucho.
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OPERACIÓN SWORDFISH (Dominic Sena, 2001)

Travolta debería dar gracias a Dios porque Tarantino lo sacara del ostracismo y la serie B en la que estaba hundido, pero en vez de eso lo que hace es creerse Dios y pensar que él solo puede levantar una película. En esta me recuerda un poco a aquel Marlon Brando decadente que aparecía en las películas como estrella pero al que el resto le comían el terreno y provocaban su mayor hundimiento, hasta que llegó a donde está ahora.

Si esta película tiene algún atractivo, que lo tiene, desde luego no es el ex-bailón pasado de kilos. Principalmente son los efectos especiales lo que más llama la atención, lo cual no suele decir mucho de una película a no ser que estos sean estratosféricos. Hay una explosión al principio de la película, que luego hace un flash back y volvemos a ver al final, que tiene su mérito. Lo otro más destacable es natural (¿?). Me refiero al cuerpo serrano de Halle Berry, actriz que lleva demostrando sus cualidades desde hace tiempo (recuerdo Boomerang, el Principe de las Mujeres o Los Picapiedra o recientemente haciendo de Tormenta en X-men), pero a la que ahora le ha dado por mostrar también otras cualidades, no me cabe duda que porque puede. Por cierto, penoso su destape, totalmente injustificado. Penoso en el modo, que no en las formas, que alegran la vista a base de bien. Tampoco esto dice mucho bueno de la película.

El argumento es de lo más soso, mezcla un pirata informático, internet y el terrorismo, todo muy de moda hoy por hoy, pero es lo que tiene basar una buena comida en los ingredientes sin prestar atención a la preparación, que acaba por quedar una comida insulsa e indigerible.

El pirata en cuestión es Hugh Jackman que ya había coincidido con Halle Berry precisamente en X-men, donde interpretaba a Lobezno. Es el único que se salva un poco en esta americanada un tanto fantasma. Recomendable para todo el que quiera una peli de acción sin muchas pretensiones o se quiera alegrar el ojillo con la delantera de la Berry o como luce el palmito en ropa interior.

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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, La Comunidad del Anillo (Peter Jackson, 2002)

Mucho tiempo han esperado los millones de fans de J.R.R. Tolkien a que por fin se haga una versión, parece que fiel y buena, de la más famosa trilogía de novelas. Ha tenido que ser un fan del mundo de Tolkien el que la hiciera, porque no hay que olvidar que El Señor de los Anillos no son simplemente tres novelas que suman mil y pico páginas, hay mucho detrás de esto.

Me disculpo por no ser un auténtico seguidor de Tolkien, aunque me he leído los tres libros, además de El Hobbit, precursor de la saga. Quizás no sea la persona más adecuada por ello para hablar de esta película, al no conocer tan profundamente todo sus entresijos, pero sí puedo dar una visión más arbitraria y menos fanática.

Lo primero es recomendar encarecidamente ver la película. Aunque no te guste todo esto de los Hobbits, Elfos y la Tierra Media, solamente por los efectos especiales, las luchas, los seres extraños, los paisajes, la historia que cuenta y la acción de la película merece la pena verla. Para ser completamente fiel a los libros la duración debería ser mayor (algo que el director ha prometido en la futura edición en DVD), por lo que también recomiendo leérselos antes, para así disfrutar mucho más por la riqueza de los personajes, que no se pueden dibujar tan bien en la película como sobre papel, por más que siempre se diga que una imagen vale más que mil palabras. Algunas cosas de las que aparecen quedan como deslavadas y se nota el tijeretazo indispensable para acortar la duración, pero aún así en ningún momento se pierde el hilo o se hace aburrida, simplemente se desconocen hechos que dan mucho más fundamento a la acción.

La historia es complicada de resumir. Básicamente se trata de un viaje que han de hacer una serie de seres pertenecientes a distintas razas (elfos, hobbits, hombres, magos, enanos,...) para destruir un anillo que tiene gran poder y que en manos del maligno puede significar la perdición de todos ellos. La imaginación de Tolkien para crear seres y razas, tanto buenos como malos es asombrosa. Llegó a crear todo un mundo, son su historia, sus idiomas y toda clase de pormenores.

Dirige Peter Jackson, afamado director de cine gore en sus inicios y que se ha ido reconvirtiendo hacia un cine más comercial. La caracterización de los personajes es asombrosa, así como las interpretaciones. En el papel de Frodo, el pequeño hobbit protagonista está Elijah Wood, un niño prodigio que lleva a sus espaldas un número importante de películas desde que debutara con Regreso al Futuro Parte II. En el resto de personajes un poco de todo: los veteranos Christopher Lee haciendo de Saruman, como él dice el Darth Vader de esta historia, Iam McKellen que es Gandalf el Mago, uno de los pesos pesados de la historia e Iam Holm, interpretando a Bilbo, Hobbit que da inicio a toda esta aventura; Hugo Weaving es Elrond, un elfo, trabajando así en las dos series de películas de más éxito, esta y Matrix donde era el poli malo malísimo; entre los hobbits amigos del prota están los debutantes Dominic Monaghan (Merry) y Billy Boyd (Pipin) y otro de los rostros jóvenes habituales Sean Astin (Sam), que ha trabajado en películas como Los Goonies, La Guerra de los Rose, El Hombre de California o Bulworth; uno de los personajes más atractivos y mejor creados es el del guerrero Aragorn, que interpreta Viggo Mortensen, una elección acertada; otro guerrero, Boromir, es interpretado por Sean Bean, un actor muy curtido pero que admitió haber sufrido mucho en el rodaje; las chicas son Liv Tyler, la princesa Arwen, el personaje más alejado del original en el libro y Cate Blanchett (La Reina Galadriel), toda dulzura y atractivo; por último John Rhys-Davies interpreta al enano Gimli, quizás el más caracterizado, con su inseparable hacha y su mala leche y Orlando Bloom es el elfo Legolas, siempre con su arco y su liviandad.

Aunque parezca mentira todos estos personajes tienen su historia, así como los hechos y batallas que se han ido sucediendo a lo largo del tiempo en la Tierra Media, escenario de las aventuras de todos estos seres. Hasta ese punto llegaba la meticulosidad de Tolkien.

Para finalizar, simplemente decir que hay que verla. Si ya eras aficionado a Tolkien y alrededores decirte eso estará de más y si no puede que te empiece a gustar, porque aquí los buenos son muy buenos y los malos también. La fotografía es excelente, los efectos especiales bárbaros, incluso a veces ni se distinguen de lo real, el vestuario la leche y el montaje la rejota. Queda dicho.

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X-MEN (Bryan Singer, 2000)

Basada en los famosos superhéroes de los tebeos más vendidos de la historia y fiel a esa imagen de dibujos animados, aunque no a alguno de los personajes que allí aparecían.

Cuenta la típica historia de héroes y villanos y toda la película se la pasan peleándose los unos con los otros, entre efecto especial y efecto especial. Los buenos los comanda el Profesor Xavier (Patrick Stewart) y a los malos Magneto (Ian McKellen), que comandan una legión de mutantes a quien la gente discrimina cuando un senador republicano crea el Acta de Registro de Mutantes.

 La principal diferencia con anteriores películas de superhéroes es el elevado presupuesto y el buen reparto, que incluye aparte de los ya mencionados a Halle Berry, Anna Paquin o Famke Hanssen. En la dirección un director que sorprende teniendo en cuenta que sus anteriores películas habían sido Sospechosos Habituales y Verano de Corrupción.

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